Exploración introspectiva entre la herencia del grafismo y la pintura contemporánea, donde emociones, memoria y transformación personal toman forma.
Colección
Nevile.143
Duración
26 de Mayo
—
26 de Septiembre
Autor
Ferran Castellnou
Ferran Castellnou (Nevile.143) nació en Colombia (Medellín) en 1992 y se estableció en Barcelona en 1996, donde reside actualmente. Desde los dieciséis años se interesó por diversas disciplinas artísticas, como el arte gráfico, la pintura mural, el grafito, la serigrafía, el tatuaje y la pintura de estudio.
En cuanto a su etapa como grafitero y artista urbano, él mismo la divide en dos fases. Comenzó con dieciocho años bajo el pseudónimo “Organo”, empleando como logotipo el dibujo de un corazón. El artista se sentía atraído por la espontaneidad que conlleva la práctica del grafiti, para disfrutar del momento más que para alimentar el ego. Pronto se dio cuenta de que reproducir reiteradamente un mismo elemento provoca el etiquetado y el encasillamiento del artista.
Simultáneamente, a los veinticinco años, descubre su pasión por la serigrafía y el tatuaje. En esta etapa se interesa por la simbología y el cromatismo, e investiga el estilo “ignorante” y el “anti style”, dos de las tendencias urbanas más actuales.
Recientemente, durante el 2025, su atención recae en la pintura de estudio, donde sintetiza y aplica todo lo aprendido en otros medios, soportes y técnicas. En la pintura tradicional encuentra una manera de expresarse atemporal, al margen de los tiempos sociales y de la productividad masiva de imágenes. Para Ferran es un espacio íntimo que le permite narrar sus experiencias, valores y maneras de pensar, de entender y de sentir. De esta manera, su estilo integra diversos lenguajes: la herencia del grafiti, el dibujo tradicional, la abstracción y una simbología personal.
Las obras aquí expuestas pertenecen a una serie titulada “Explore Collection” (2025). Las escenas transmiten momentos emocionales suspendidos más que una narración directa. Como indica el título, se trata de una exploración introspectiva que el artista lleva a cabo en torno a temas universales como la soledad del individuo, la nostalgia, la reconstrucción personal, la esperanza o la persistencia. Sus obras funcionan de manera autónoma o combinada, ya que comparten una misma atmósfera donde emergen experiencias y memorias personales.
En cuanto a la forma, su trabajo alcanza un equilibrio entre la estructura y la improvisación. Su lenguaje plástico se vuelve coherente y reconocible, con una identidad propia que se sitúa entre lo urbano y lo pictórico contemporáneo. Combina figuras esquemáticas, fragmentos de texto, símbolos recurrentes, manchas de color y elementos gráficos que remiten tanto al dibujo espontáneo como a la pintura gestual.
Su pincelada es libre y directa, no tan medida, aunque encontramos zonas que denotan control técnico y contrastan con otras más intuitivas y gestuales. La paleta cromática juega un papel expresivo más que descriptivo, ya que le sirve para generar climas emocionales dentro de la composición. El artista emplea principalmente la técnica del óleo, aplicada tanto sobre madera como sobre lienzo. Respecto al trazo, la línea se manifiesta casi de manera infantil o “anti estilizada”.
Miriam Díaz
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